L’Art abstrait

L’art abstrait naît vers 1910, dans une aire culturelle imprégnée de philosophie germanique. Au tournant du siècle, à l’est de l’Europe, de nombreux intellectuels s’interrogent sur la civilisation occidentale, recherchent un nouveau langage à même de caractériser et classer son vaste patrimoine architectural et artistique.

En 1903, Aloïs Riegl, historien de l’art autrichien, publie à cette fin Le Culte moderne des monuments, son essence et sa genèse. En 1908, la parution d’Abstraction et empathie (Abstraktion und Einfühlung), de Wilhem Woringer, est un pas décisif vers le renouvellement du regard porté sur l’art européen : l’historien s’appuie sur la tradition philosophique allemande (Kant, Hegel, Schopenhauer) pour définir l’expressionnisme. Il remet ainsi en cause la vision classique de l’art héritée de la Renaissance et, pour la première fois dans l’histoire de l’art, l’abstraction plastique est présentée comme le pôle opposé de la figuration.

La première œuvre véritablement abstraite de l’histoire de l’art est, selon Dora Vallier, une aquarelle que Kandinsky réalise en 1910 : celle-ci exprime la volonté individuelle de l’artiste de se détacher du réel, en dehors de toute référence à la mouvance cubiste. Conscient de la dimension révolutionnaire de son geste, Kandinsky rédige rapidement un texte théorique, Du Spirituel dans l’art (1912), où il s’explique et se justifie. Il apporte dans son deuxième livre, Regard sur le passé (1913), d’autres éléments essentiels à la compréhension de son art.

Né en 1866, Kandinsky appartient à la grande bourgeoisie russe. Il est au fait de l’actualité artistique de son temps et connaît les tableaux de Manet, Gauguin, Manet ou encore du Douanier Rousseau. Germanophone, il choisit de vivre un temps à Munich, au contact de l’avant-garde occidentale, où il fonde avec d’autres le mouvement du Blaue Reiter. Il participera ensuite au Bauhaus et intégrera des éléments scientifiques à sa réflexion esthétique, comme il l’explique dans son traité Point Ligne Surface (1926).

Piet Mondrian naît en 1872 en Hollande. Élevé dans une famille calviniste par un père dominateur, il passera sa vie à se défaire de cette enfance austère. Dora Vallier n’hésite pas à lire le déroulement de l’œuvre de Mondrian comme une libération progressive de l’emprise paternelle et d’un milieu étouffant. Hésitant entre une carrière de prédicateur et la voie artistique, Mondrian se plonge, dès 1899, dans l’étude de la théosophie, doctrine ésotérique qui répond à ses doutes existentiels, allège ses angoisses et le guidera sa vie durant.

Aux antipodes du puritanisme pour lequel beauté et plaisir sont suspects, la théosophie loue l’alliance du beau et du bien. Elle vise l’union avec Dieu, recommande des règles de vie, garantit le triomphe de l’esprit, dévoile les secrets de l’univers. Pour les théosophes, l’art joue un rôle initiatique : il transmue et sublime les instincts de l’homme, œuvre pour la perfection du monde. Le triptyque Évolution (1911) est la première création théosophique de Mondrian : trois corps de femme nue y sont représentés, qui figurent l’ascension spirituelle. On y perçoit déjà cette quête de l’harmonie parfaite des formes et un grand sens du détail.

Fils du peuple, personnalité singulière, excessive, Malévitch est celui qui a poussé l’abstraction le plus loin avec le Carré blanc sur fond blanc qu’il présente au Dixième Salon d’État moscovite de 1918. Ce monochrome, incompris de ses contemporains, exprime le refus de tout signe, l’éclatement des formes, l’insaisissable absolu.

Influencé par les fauvistes français, l’expressionnisme allemand, Picasso et le futurisme italien, Malévitch est d’abord une sorte de Dada avant la lettre. À propos de son tableau d’inspiration cubiste Vache et violon (1913), il écrit : « La collision alogique de deux formes, le violon et la vache, illustre le moment de lutte entre la logique, la loi naturelle, le bon sens et les préjugés bourgeois » (p.129). Dora Vallier, dans sa postface de 1980, ajoute un élément essentiel à la genèse artistique de Malévitch : l’amitié de l’artiste avec le linguiste Roman Jakobson, figure de proue de la linguistique structurale.

À la suite de cette première période féconde (1910-1920), l’art abstrait ne retrouvera plus de maîtres comparables aux trois figures tutélaires originelles. Après un prolongement expérimental entre 1920 et 1930, la vision abstraite se généralise et, de ce fait, perd de sa puissance. En 1931, Auguste Herbin crée à Paris le mouvement Abstraction-Création.

Il élabore son « alphabet plastique », basé sur des correspondances entre formes, couleurs et sons des lettres. Abstraction-Création regroupera plus de 400 artistes européens et américains. L’art abstrait, en conclut Dora Vallier, n’est plus motivé par une quête de l’absolu, comme à ses débuts. Il ne possède plus de signification profonde.

Une personnalité d’exception se distingue cependant, Robert Delaunay. Avec sa femme Sonia, il travaille activement dans son atelier parisien qui devient, en 1939, un véritable foyer de l’abstraction, réunissant chaque semaine pléthore de créateurs. Delaunay introduit de vastes gammes de couleurs, inhabituelles dans l’art abstrait, et accorde une place centrale au mouvement. Sonia Delaunay est également une artiste prolifique. Elle crée par exemple des « tissus simultanés » aux dessins nets et aux couleurs vives que l’on retrouve dans sa célèbre illustration du long poème de Blaise Cendrars, La Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France.

Si l’appellation « art abstrait » a permis de désigner, entre 1910 et 1920, l’œuvre radicalement novatrice des pionniers du mouvement, le langage ne saura, ensuite, comment nommer le foisonnement et l’éclatement artistique ayant jailli de la brèche qu’ils avaient ouverte. En effet, la question centrale du rapport entre le réel et l’art ne pourra jamais être totalement résolue : serait-il plus approprié de parler d’« abstraction figurative », de « figuration abstraite » ou encore de « non-figuration » ? Cette impasse du langage montre que l’art abstrait, bien plus qu’un tendance, est un phénomène ample et complexe.

On pourra prolonger cette lecture en se penchant sur la question du rapport entre les sciences et l’art abstrait. L’art abstrait valorise incontestablement la subjectivité du regard, le monde intérieur de l’artiste, et cherche à se départir de la vision académique du Beau héritée de la Renaissance, dont les règles étaient dictées par l’objectivité scientifique.

Ouvrage recensé – L’Art abstrait, Paris, Fayard, coll. « Pluriel », 2012.