Qu’est-ce que l’art moderne ?

Siècle des bouleversements et des grandes mutations artistiques, le XXe siècle n’a pas manqué d’initiatives et de pratiques de toutes sortes pour se défaire de la figuration. La notion d’avant-garde est l’un des concepts majeurs de la modernité artistique et a modifié en profondeur la définition de l’œuvre d’art. Caractérisé par une structure d’exclusion, l’avant-gardisme se distingue par ses actes de rupture et d’opposition à travers divers manifestes militants.

Très présent de la seconde moitié du XIXe siècle à la première moitié du XXe siècle, la notion ne sera plus en usage à partir des années soixante. Elle entraînera les beaux-arts dans son sillage qui, en s’ouvrant à d’autres formes que la peinture et la sculpture, cèderont la place aux arts plastiques.

Dès les années 1910, les peintres abandonnent l’art figuratif au profit de l’abstraction. En effet, l’heure n’est plus à la représentation et à l’imitation du réel. Kandinsky et sa Première aquarelle abstraite, Malevitch avec son Carré noir, Mondrian et ses Compositions, incarnent entre autres, les grandes figures de l’art abstrait. L’abstraction irradie les autres arts : la poésie et les pratiques dadaïstes et surréalistes, le cinéma avec notamment en 1920 la Symphonie diagonale de Hans Richter, l’architecture et le Bauhaus.

L’art du XXe siècle est placé sous le signe des remises en question des valeurs canoniques, de la subversion et de la contre-culture. En abandonnant ses spécificités, il devient protéiforme. L’éclatement et le décloisonnement des disciplines sont caractéristiques de l’évolution artistique du siècle en question.

Dès 1912, Picasso brouillait les frontières avec Guitare, œuvre située entre peinture et sculpture. Il construit et assemble, mélange des éléments variés, multiplie les hybridations de la peinture et du volume. Les artistes combinent les genres entre eux. Les imbrications et collusions entre la peinture et la sculpture sont de plus en plus fréquentes, le son, la lumière, la photographie et la vidéo investissent les œuvres. En s’intéressant aux images cinématographiques dans les années soixante, Andy Warhol choisit de fusionner des univers qui s’ignoraient.

Entre 1978 et 1982, Jean-Marc Bustamante adopte l’assimilation photographique de la peinture avec ses « tableaux photographiques ». L’irruption d’objets au sein de l’œuvre d’art contribue également à brouiller les catégories et participe au délitement des beaux-arts au profit des arts plastiques. L’évolution personnelle de Bruce Nauman illustre clairement ce passage des beaux-arts aux arts plastiques. En effet, c’est en commençant par la peinture, puis en allant puiser dans la musique, la danse et la littérature qu’il a nourri son travail. Non seulement les frontières entre les arts deviennent de plus en plus poreuses, mais ce décloisonnement atteint d’autres contrées.

Les analyses précédentes soulèvent les questions de la nature de l’art, de ses limites et de sa finalité. Qu’est-ce que l’art ? Et est-ce encore de l’art ? Denys Riout en a bien une idée lorsqu’il souligne que « lorsqu’un territoire s’accroît, il ne devient pas simplement plus vaste : il change de nature » (p. 422). D’autres n’hésitent pas à élargir le concept de l’art, comme Kurt Schwitters affirmant que « Tout ce qu’un artiste crache, c’est de l’art » (p. 327).

Par définition, privé de la représentation, l’art abstrait pose la question du sens de l’œuvre. Le critique Alexandre Benois envisage le Carré noir de Malevitch comme le « culte du vide et du rien ». Très tôt, la pratique du collage – ni dessin, ni peinture, ni sculpture – suivie de près par celle du readymade posent la question de l’art et de ses limites. L’art du XXe siècle ne cesse de transgresser ses limites au nom de la liberté retrouvée. Les artistes essaient, s’amusent, osent tout, désacralisent l’art au risque d’être parfois accusés de faire n’importe quoi. Les illustrations ne manquent pas lorsque Denys Riout évoque le hasard et l’éphémère revendiqués par les dadaïstes et les surréalistes, le kitsch des œuvres de Jeff Koons, ou les « ultimes peintures » d’Ad Reinhardt qui, au cours des années cinquante, ne peindra que des tableaux presque noirs. Les années soixante iront encore plus loin avec le happening et la performance.

L’ouvrage de Denys Riout souligne l’importance de la relation entretenue entre la peinture et les textes au fil du temps. Les multiples citations qui parsèment le livre démontrent bien que nombreux sont les artistes, peintres, poètes et critiques d’art qui éprouvent le besoin de théoriser les pratiques et de conceptualiser l’art. L’une des particularités du XXe siècle réside dans la profusion de manifestes, proclamations, ouvrages, brochures et explications. Autant de textes au cœur des débats artistiques et esthétiques en réponse aux querelles langagières.

Ces textes qui témoignent d’une volonté de la part des artistes de faire connaître leurs pratiques et comprendre leurs objectifs participent de l’évolution et de l’élaboration de l’art.

Les mots et les textes ont proliféré au XXe siècle et, avec les arts plastiques, leur fonction s’est diversifiée, légitimant la correspondance entre les arts ainsi que le métissage revendiqué par Raoul Hausmann et Kurt Schwitters : « Le monde a besoin de tendances nouvelles en poésure et peintrie » (p. 365). Qu’il s’agisse d’informer ou de jeter un trouble supplémentaire au sein de l’œuvre, les mots investissent l’espace pictural. En peinture, les mots sont partout et les cartels, les légendes, les noms et signatures, les étiquettes qui gravitent en périphérie de l’œuvre ont une fonction informative non négligeable. Mais avec l’art moderne, d’autres formes de textes s’interposent entre le « regardeur » et l’objet, semant parfois le trouble. Le texte entre dans la peinture et fait partie de l’œuvre au même titre que l’image.

Alors que certains prônent l’autonomie de l’art, d’autres revendiquent le rapprochement de l’art et de la vie. En effet, au XIXe siècle, le mouvement de l’art pour l’art affirmait la volonté d’une autonomie radicale. Au XXe siècle, notamment dans les années soixante, Joseph Kosuth se positionne en faveur d’un art inutile qui « n’existe que pour lui-même ». Il s’inscrit ainsi dans le sillage de Ad Reinhardt qui avait une foi indéfectible en l’autonomie de l’art et qui, à travers ses pratiques, proclamait l’« art-en-tant-qu’art », définitivement séparé de la vie, sans fonction, sans signification. Selon lui, la présentation des œuvres au public apparaît inutile.

Mais de nombreux artistes critiquent et combattent cette autonomie, ils souhaitent au contraire abolir les frontières entre l’art et la vie ; pour un homme nouveau et une société nouvelle. Les avant-gardes perçoivent en l’art un moyen de changer le monde, et ont souvent cherché à édifier des ponts entre l’art et la vie. Le constructivisme rejette cette autonomie et le rapprochement de l’art et de la vie quotidienne est parfaitement accompli lorsque Tatline élabore ses « casseroles utiles » dans les années vingt. Kurt Schwitters, qui ne cache pas sa passion pour les déchets, fait converger à merveille l’art et la vie lorsqu’il crée des œuvres à partir de décombres. L’art de l’assemblage est emblématique de cet état d’esprit. En 1961, l’exposition The Art of Assemblage qui se tient à New York réunit près de cent cinquante artistes d’Europe et d’Amérique dont les pratiques puisent dans les objets du quotidien.

Denys Riout permet ici à chacun de comprendre comment et selon quels processus l’art a traversé le XXe siècle. En quelques décennies, les artistes ont bousculé les idées reçues, ils ont abandonné la représentation pour l’abstraction, ont revendiqué l’abolition des frontières entre les disciplines artistiques, ont surmonté les crises, transgressé et repoussé les limites, ont irrémédiablement lié l’art à la vie.

Il demeure parfois difficile de répondre de manière précise à toutes les interrogations que l’auteur soulève dans son ouvrage. Il l’affirme lui-même, certaines notions demeurent floues et il n’est pas toujours aisé de cerner des mouvances, des mouvements, des périodes plus ou moins distinctes. Il reste dès lors délicat de définir les contours de l’art, comme le souligne si bien cette remarque de Harold Rosenberg : « Nul ne peut dire avec certitude ce qui est une œuvre d’art – ou, plus important, ce qui n’est pas une œuvre d’art . ».

Ouvrage recensé – Qu’est-ce que l’art moderne ?, Paris, Éditions Gallimard, coll. « Folio essais », 2018.