La K-Pop

Les artistes de K-pop effectuent un travail surchargeant par standards occidentaux. Un membre de BTS ou BLACKPINK travaille trente à quarante heures par semaine de performances, studio, tournages et émissions, sans compter la préparation. Comparable au travail adulte, mais les artistes sont souvent dans la vingtaine ou plus jeunes. Des études du Korea Institute for Health and Social Affairs documentent des taux significativement plus élevés de dépression, d’anxiété et d’épuisement professionnel comparés à la population générale du même âge.

La pression est aussi sociale et économique. Les artistes sont constamment évalués par un système de classement interne mesurant leur popularité, performance médiatique et valeur de marque. Ce classement détermine accès aux rôles, promotion et revenu futur. Cette compétition permanente, même au sein du même groupe, crée une dynamique où l’artiste internalise le besoin de performer sans interruption. Des artistes comme Jonghyun de SHINee et Sulli de f(x) ont documenté une dépression liée à cette pression avant leur décès. Leurs morts ont forcé une reckoning publique sur les conditions de travail.

L’asymétrie financière entre studios et artistes est radicale. Un groupe de K-pop générant 100 millions de dollars annuels remet 10 à 20 pour cent aux artistes. Le reste couvre les “frais d’agence” : entraînement, marketing, production musicale. Ces frais sont définis unilatéralement par le studio et non négociables pendant le contrat.

Cette structure est légale en Corée du Sud, mais elle a généré des litiges majeurs. En 2021, les contrats des artistes de Highlight (groupe de YG Entertainment anciennement connu sous le nom BEAST) ont été rendus publics au cours d’une bataille juridique. Les documents ont révélé que les artistes recevaient moins de 15 pour cent des revenus d’enregistrement, même après que le groupe ait vendu des millions d’albums. Les contrats de concerts live donnaient 50 pour cent au studio et 50 pour cent à l’artiste, mais le studio déduisait ensuite des “frais de production” qui réduisaient la part de l’artiste à 20-30 pour cent. Par comparaison, dans l’industrie musicale occidentale, un artiste signe généralement un contrat qui lui donne 70-80 pour cent de ses revenus en direct après déduction des frais standards.

La Corée du Sud, reconnaissant les problèmes documentés de conditions de travail et de santé mentale, a commencé à légiférer. En 2012, le gouvernement coréen a adopté des normes minimales pour les contrats d’artistes, limitant la durée des contrats exclusifs à sept ans (une baisse de dix à quinze ans précédemment courants) et exigeant des conditions minimales de salaire et d’assurance. Mais ces normes restent peu appliquées parce que de nombreux contrats sont structurés de manière à contourner la loi : les trainees, techniquement non rémunérés pendant leur formation, ne sont pas couverts par les mêmes lois de travail que les employés rémunérés.

La K-pop produit des artistes exceptionnels et des succès commerciaux mondiaux, mais ce succès repose sur un modèle économique et personnel qui concentre le contrôle et les avantages au niveau des studios, laissant les artistes dans une position subordonnée. Le trainee system crée une dépendance précoce, les contrats d’exclusivité éliminent les alternatives economiques, et les asymétries de revenus transforment les artistes en instruments de profit plutôt qu’en entrepreneurs.

Pour aller plus loin : - Quel serait l’impact sur la compétitivité économique de la K-pop si les contrats d’exclusivité étaient réduits à quatre ans et les parts de revenus augmentées de manière significative ? - La pression médiatique et culturelle sur les apparences physiques et les relations amoureuses est-elle une conséquence du système contractuel, ou est-ce une expectation culturelle coréenne qui persisterait même avec des contrats plus justes ? - Comment la fanbase mondiale de la K-pop devrait-elle évaluer les conditions de travail des artistes quand elle achète des tickets, du merchandising et des contenus numériques ? - Quel est le rôle des réseaux sociaux et du parasocial fandom dans l’intensification des pressions sur les artistes, et comment cela interagit-il avec le contrôle contractuel des studios ?