Hollywood

Après la Deuxième Guerre mondiale, Hollywood est devenu un instrument de politique extérieure américaine. Les États-Unis voyaient le cinéma hollywoodien comme vecteur de “soft power” — exporter les valeurs américaines sans invasion. Les gouvernements européens, reconnaissants pour la victoire militaire, tentaient de protéger leur cinéma local. La France imposait des quotas (jusqu’à 40% de contenu français). L’Italie investissait dans le néoréalisme (Roberto Rossellini, Vittorio De Sica). La Grande-Bretagne tentait de renforcer Hammer Films et ses productions locales. Aucune stratégie ne réussit.

Mais la réalité économique était impitoyable : un film américain coûtait 5 millions en production et générait 50 millions mondialement. Un film français coûtait 1 million et rapportait 3 millions, car sans réseau de distribution global, il demeurait régional. Le calcul économique favorisait Hollywood. Les gouvernements pouvaient imposer des quotas de diffusion, mais cela ne créait pas les revenus mondiaux. Hollywood avait les routes d’exportation ; les autres non.

Entre 1975 et 2010, Hollywood a transformé le modèle du blockbuster en une architecture d’univers connectés. En 2008, avec le lancement du Marvel Cinematic Universe, Hollywood a perfectionné le modèle : univers continu où chaque film renforçait les autres, créant dépendance que le public ne pouvait pas briser.

Le résultat économique était hyperconcentré. Entre 2010 et 2023, franchises et sequels représentaient une part croissante : 30% en 2010, 50% en 2015, 70% en 2023. Une majorité de films regardés mondialement n’étaient plus des histoires nouvelles — c’était continuation d’univers existants, déjà mémorisés.

Le modèle actuel de Hollywood contient ses propres fragilités. D’abord, la saturation publique. Le Marvel Cinematic Universe a connu son premier fléchissement en 2023, avec des revenus en baisse après une décennie de croissance quasi ininterrompue. Cela n’indique pas que les films Marvel deviennent mauvais — cela indique que des publics saturés refusent les contenus supplémentaires. Une franchise dépend d’une loyauté continue. Quand cette loyauté s’érode, les revenus s’effondrent.

Deuxièmement, la désintégration de la distribution traditionnelle. Le streaming a fragmenté les publics. Netflix, Amazon, Apple, Disney+ offrent des contenus alternatifs sans passer par les cinémas. Cela crée une concurrence pour l’attention. Un studio hollywoodien ne concurrence plus seulement d’autres films, mais aussi des séries de prestige, des contenus TikTok, des jeux vidéo. L’infrastructure de distribution — la domination des salles — est soudainement moins puissante.

Hollywood est un cas d’école de la manière dont un avantage économique initial se transforme en domination structurelle difficile à inverser. Ce qui a commencé comme une décision logistique au début du XXe siècle — des réalisateurs quittant New York pour un endroit éloigné et bon marché — a engendré une infrastructure d’exportation, un système studio et une culture d’innovation financière que personne n’a reproduites. Hollywood a construit un monopole culturel moins par mauvaise intention que par avance structurelle : arriver en premier à l’industrialisation d’une forme d’art crée des avantages composés difficiles à rattraper.

Pour aller plus loin : - Comment Hollywood aurait-il évolué si la Cour suprême n’avait pas forcé la séparation production-distribution-exhibition en 1948 ? - Peut-on construire infrastructure d’exportation cinématographique rivale à Hollywood, ou les avantages de concentration sont-ils verrouillés ? - Le streaming fragmente-t-il domination de Hollywood, ou renforce-t-il simplement les plus grands studios ? - Comment le cinéma sud-coréen, indien et chinois pourrait exporter culturellement sans reproduire infrastructure économique que Hollywood a construite ?